Ang mito ng mga artista ng Renaissance

2024 May -akda: Seth Attwood | [email protected]. Huling binago: 2023-12-16 16:18

Ayon sa opisyal na bersyon, sa pagliko ng ika-14-15 na siglo, isang matalim na pagbabago ang naganap sa pagpipinta - ang Renaissance. Sa paligid ng 1420s, ang lahat ay biglang naging mas mahusay sa pagguhit. Bakit biglang naging makatotohanan at detalyado ang mga imahe, at sa mga kuwadro ay may liwanag at lakas?

Walang sinuman ang nag-isip tungkol dito sa mahabang panahon. Hanggang sa kinuha ni David Hockney ang isang magnifying glass.

Minsan ay tumitingin siya sa mga guhit ni Jean Auguste Dominique Ingres, ang pinuno ng ika-19 na siglong French academic school. Naging interesado si Hockney na makita ang kanyang maliliit na guhit sa mas malaking sukat, at pinalaki niya ang mga ito sa isang photocopier. Ito ay kung paano siya natisod sa isang lihim na bahagi sa kasaysayan ng pagpipinta mula noong Renaissance.

Nang gumawa ng mga photocopies ng maliliit na (mga 30 sentimetro) na dibuho ni Ingres, namangha si Hockney sa pagiging makatotohanan ng mga ito. At naisip din niyang may naalala sa kanya ang mga linya ni Ingres. Ito pala ay nagpapaalala sa kanya ng trabaho ni Warhol. At ginawa ito ni Warhol - nag-project siya ng isang larawan sa isang canvas at binalangkas ito.

Mga kagiliw-giliw na kaso, sabi ni Hockney. Tila ginamit ni Ingres ang Camera Lucida - isang device na isang istraktura na may prisma na nakakabit, halimbawa, sa isang stand sa isang tablet. Kaya, ang artista, na tumitingin sa kanyang pagguhit gamit ang isang mata, ay nakikita ang tunay na imahe, at sa isa pa - ang pagguhit mismo at ang kanyang kamay. Ito ay lumalabas na isang optical illusion na nagbibigay-daan sa iyong tumpak na ilipat ang mga proporsyon sa totoong buhay sa papel. At ito ay tiyak na "garantiya" ng pagiging totoo ng imahe.

Pagkatapos ay si Hockney ay naging seryosong interesado sa ganitong "optical" na uri ng mga guhit at pagpipinta. Sa kanyang studio, siya at ang kanyang koponan ay nagsabit ng daan-daang reproductions ng mga painting na nilikha sa mga dingding sa loob ng maraming siglo. Mga gawang mukhang "totoo" at yaong hindi. Pag-aayos sa oras ng paglikha, at ayon sa mga rehiyon - hilaga sa itaas, timog sa ibaba, nakita ni Hockney at ng kanyang koponan ang isang matalim na pagbabago sa pagpipinta sa pagliko ng 14-15 na siglo. Sa pangkalahatan, alam ng lahat na nakakaalam ng kahit kaunti tungkol sa kasaysayan ng sining - ang Renaissance.

Marahil ay ginamit nila ang parehong lucid camera? Ito ay patented noong 1807 ni William Hyde Wollaston. Bagaman, sa katunayan, ang gayong aparato ay inilarawan ni Johannes Kepler noong 1611 sa kanyang gawaing Dioptrice. Pagkatapos, baka gumamit sila ng isa pang optical device - isang camera obscura? Pagkatapos ng lahat, ito ay kilala mula pa noong panahon ni Aristotle at isang madilim na silid kung saan ang liwanag ay pumapasok sa isang maliit na butas at sa gayon sa isang madilim na silid ay nakuha ang isang projection ng kung ano ang nasa harap ng butas, ngunit baligtad. Magiging maayos ang lahat, ngunit ang imahe na nakuha kapag na-project ng isang pinhole camera na walang lens, upang ilagay ito nang mahinahon, ay hindi mataas ang kalidad, hindi ito malinaw, nangangailangan ito ng maraming maliwanag na ilaw, hindi banggitin ang laki ng projection. Ngunit ang mga de-kalidad na lente ay halos imposibleng gawin hanggang sa ika-16 na siglo, dahil walang paraan upang makakuha ng gayong kalidad na salamin sa panahong iyon. Ang mga bagay na dapat gawin, naisip ni Hockney, sa oras na iyon ay nahihirapan na sa problema sa physicist na si Charles Falco.

Gayunpaman, mayroong isang pagpipinta ni Jan Van Eyck, isang pintor na nakabase sa Bruges at pintor ng Flemish noong unang bahagi ng Renaissance, kung saan nakatago ang isang palatandaan. Ang pagpipinta ay tinatawag na "Portrait of the Arnolfini Couple".

Ang larawan ay kumikinang lamang sa isang malaking halaga ng mga detalye, na medyo kawili-wili, dahil ito ay ipininta lamang noong 1434. At ang salamin ay nagsisilbing pahiwatig kung paano nagawa ng may-akda ang isang malaking hakbang pasulong sa pagiging totoo ng imahe. At ang candlestick ay hindi kapani-paniwalang masalimuot at makatotohanan.

Si Hockney ay puno ng kuryusidad. Hinawakan niya ang isang kopya ng naturang chandelier at sinubukang iguhit ito. Ang artista ay nahaharap sa katotohanan na ang isang kumplikadong bagay ay mahirap iguhit sa pananaw. Ang isa pang mahalagang punto ay ang materyalidad ng imahe ng metal na bagay na ito. Kapag naglalarawan ng isang bagay na bakal, napakahalaga na iposisyon ang mga highlight nang makatotohanan hangga't maaari, dahil nagbibigay ito ng malaking halaga ng pagiging totoo. Ngunit ang problema sa mga highlight na ito ay gumagalaw ang mga ito kapag gumagalaw ang tingin ng manonood o artist, na nangangahulugang hindi madaling makuha ang mga ito. At ang makatotohanang imahe ng metal at liwanag na nakasisilaw ay isa ring natatanging katangian ng mga pagpipinta ng Renaissance, bago iyon ay hindi man lang sinubukan ng mga artista na gawin ito.

Sa pamamagitan ng muling paggawa ng isang tumpak na three-dimensional na modelo ng chandelier, tiniyak ng Hockney team na ang chandelier sa The Portrait of the Arnolfini Couple ay iguguhit nang tumpak sa perspektibo na may isang solong pagkawalang punto. Ngunit ang problema ay ang mga tumpak na optical na instrumento bilang isang camera obscura na may lens ay hindi umiral nang humigit-kumulang isang siglo pagkatapos malikha ang pagpipinta.

Ang pinalaki na fragment ay nagpapakita na ang salamin sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple" ay matambok. Kaya may mga salamin sa kabaligtaran - malukong. Bukod dito, sa mga araw na iyon, ang mga naturang salamin ay ginawa sa ganitong paraan - kinuha ang isang glass sphere, at ang ilalim nito ay natatakpan ng pilak, pagkatapos ay ang lahat maliban sa ilalim ay pinutol. Ang likod na bahagi ng salamin ay hindi madilim. Nangangahulugan ito na ang malukong salamin ni Jan Van Eyck ay maaaring ang parehong salamin na ipinapakita sa larawan, mula lamang sa likurang bahagi. At alam ng sinumang physicist kung ano ang isang salamin, kapag naaninag, ay nagpapalabas ng isang larawan ng sinasalamin. Dito na tinulungan ng kanyang kaibigang physicist na si Charles Falco si David Hockney sa mga kalkulasyon at pananaliksik.

Ang malinaw at nakatutok na bahagi ng projection ay humigit-kumulang 30 square centimeters, na eksaktong sukat ng mga ulo sa maraming larawan ng Renaissance.

Ito ang laki halimbawa ng portrait ni "Doge Leonardo Loredana" ni Giovanni Bellini (1501), portrait ng isang lalaki ni Robert Campen (1430), sariling portrait ni Jan Van Eyck na "a man in a red turban" at marami pang iba. sinaunang mga larawang Dutch.

Ang pagpipinta ay isang mataas na bayad na trabaho, at natural, lahat ng mga lihim ng negosyo ay itinatago sa mahigpit na kumpiyansa. Ito ay kapaki-pakinabang para sa artist na ang lahat ng hindi pa nakikilalang mga tao ay naniniwala na ang mga lihim ay nasa mga kamay ng master at hindi sila maaaring magnakaw. Ang negosyo ay sarado sa mga tagalabas - ang mga artista ay nasa guild, at ang pinaka-iba't ibang mga manggagawa ay nasa loob nito - mula sa mga gumagawa ng mga saddle hanggang sa mga gumagawa ng mga salamin. At sa Guild of Saint Luke, na itinatag sa Antwerp at unang nabanggit noong 1382 (pagkatapos ay ang mga katulad na guild ay binuksan sa maraming hilagang lungsod, at ang isa sa pinakamalaki ay ang guild sa Bruges - ang lungsod kung saan nanirahan si Van Eyck) ay mayroon ding mga masters, na gumagawa. mga salamin.

Kaya muling nilikha ni Hockney kung paano ka makakapagguhit ng isang kumplikadong chandelier mula sa isang pagpipinta ni Van Eyck. Ito ay hindi nakakagulat na ang laki ng chandelier na pinaplano ni Hockney ay eksaktong tumutugma sa laki ng chandelier sa pagpipinta na "Portrait of the Arnolfini Couple". At, siyempre, liwanag na nakasisilaw sa metal - sa projection, sila ay nakatayo pa rin at hindi nagbabago kapag ang artist ay nagbabago ng posisyon.

Ngunit ang problema ay hindi pa rin ganap na nalutas, dahil bago ang hitsura ng mataas na kalidad na optika, na kinakailangan upang gumamit ng isang pinhole camera, mayroong 100 taon na natitira, at ang laki ng projection na nakuha sa tulong ng isang salamin ay napakaliit.. Paano magpinta ng mga larawang mas malaki sa 30 square centimeters? Sila ay nilikha tulad ng isang collage - mula sa iba't ibang mga punto ng view, ito ay naging isang uri ng spherical vision na may maraming mga nawawalang punto. Napagtanto ito ni Hockney, dahil siya mismo ay nakikibahagi sa gayong mga larawan - gumawa siya ng maraming mga collage ng larawan kung saan ang eksaktong parehong epekto ay nakamit.

Pagkaraan ng halos isang siglo, noong 1500s, sa wakas ay naging posible na makakuha at maiproseso nang maayos ang salamin - lumitaw ang malalaking lente. At maaari silang sa wakas ay maipasok sa camera obscura, ang prinsipyo nito ay kilala mula noong sinaunang panahon. Ang lens camera obscura ay isang hindi kapani-paniwalang rebolusyon sa visual arts, dahil ang projection ay maaari na ngayong maging anumang laki. At isa pang bagay, ngayon ang imahe ay hindi "malawak na anggulo", ngunit humigit-kumulang sa normal na aspeto - iyon ay, humigit-kumulang kapareho ng ngayon kapag kumukuha ng litrato gamit ang isang lens na may focal length na 35-50mm.

Gayunpaman, ang problema sa paggamit ng isang pinhole camera na may lens ay ang pasulong na projection mula sa lens ay naka-mirror. Ito ay humantong sa isang malaking bilang ng mga kaliwete sa pagpipinta sa mga unang yugto ng paggamit ng optika. Tulad ng pagpipinta na ito noong 1600s mula sa museo ng Frans Hals, kung saan sumasayaw ang isang pares ng mga kaliwete, pinagbabantaan sila ng isang kaliwang kamay na matandang lalaki gamit ang isang daliri, at isang kaliwang kamay na unggoy ang tumitingin sa ilalim ng damit ng babae.

Ang problema ay malulutas sa pamamagitan ng pag-install ng salamin kung saan ang lens ay nakadirekta, kaya nakuha ang tamang projection. Ngunit tila, ang isang mahusay, patag at malaking salamin ay nagkakahalaga ng maraming pera, kaya hindi lahat ay mayroon nito.

Ang focus ay isa pang problema. Ang katotohanan ay ang ilang bahagi ng larawan sa isang posisyon ng canvas sa ilalim ng projection ray ay wala sa focus, hindi malinaw. Sa trabaho ni Jan Vermeer, kung saan ang paggamit ng optika ay malinaw na nakikita, ang kanyang trabaho sa pangkalahatan ay mukhang mga larawan, maaari mo ring mapansin ang mga lugar na wala sa pokus. Makikita mo pa ang drawing na ibinibigay ng lens - ang kilalang "bokeh". Halimbawa dito, sa pagpipinta na "The Milkmaid" (1658), ang basket, ang tinapay sa loob nito at ang asul na plorera ay wala sa pokus. Ngunit ang mata ng tao ay hindi nakakakita ng "out of focus".

At sa liwanag ng lahat ng ito, hindi nakakagulat na ang isang mabuting kaibigan ni Jan Vermeer ay si Anthony Phillips van Leeuwenhoek, isang siyentipiko at microbiologist, pati na rin ang isang natatanging master na lumikha ng kanyang sariling mga mikroskopyo at lente. Ang siyentipiko ay naging posthumous manager ng artist. At ito ay nagpapahintulot sa amin na ipagpalagay na tiyak na inilalarawan ni Vermeer ang kanyang kaibigan sa dalawang canvases - "Geographer" at "Astronomer".

Upang makita ang anumang bahagi na nakatutok, kailangan mong baguhin ang posisyon ng canvas sa ilalim ng mga projection ray. Ngunit sa kasong ito, lumitaw ang mga error sa proporsyon. Tulad ng makikita mo dito: ang malaking balikat ni "Anthea" Parmigianino (mga 1537), ang maliit na ulo ng "Lady Genovese" na si Anthony Van Dyck (1626), ang malalaking paa ng magsasaka sa pagpipinta ni Georges de La Tour.

Siyempre, iba-iba ang paggamit ng mga lente ng lahat ng artista. Isang tao para sa mga sketch, isang tao na binubuo ng iba't ibang bahagi - pagkatapos ng lahat, ngayon ay posible na gumawa ng isang portrait, at tapusin ang natitira sa isa pang modelo o sa isang dummy sa pangkalahatan.

Halos wala ring drawing si Velazquez. Gayunpaman, nanatili ang kanyang obra maestra - isang larawan ni Pope Innocent the 10th (1650). Sa kasuotan ng tatay - halatang seda - mayroong magandang paglalaro ng liwanag. Blikov. At upang maisulat ang lahat ng ito mula sa isang punto ng view, kailangan mong subukan nang husto. Ngunit kung gagawa ka ng isang projection, kung gayon ang lahat ng kagandahang ito ay hindi tatakbo - ang liwanag na nakasisilaw ay hindi na gumagalaw, maaari kang sumulat nang eksakto sa mga malalawak at mabilis na mga stroke tulad ng kay Velazquez.

Kasunod nito, maraming mga artista ang nakakuha ng isang camera obscura, at ito ay tumigil na maging isang malaking lihim. Aktibong ginamit ni Canaletto ang camera upang lumikha ng kanyang mga pananaw sa Venice at hindi ito itinago. Ang mga larawang ito, dahil sa kanilang katumpakan, ay ginagawang posible na pag-usapan ang Canaletto bilang isang documentary filmmaker. Salamat sa Canaletto, makikita mo hindi lamang isang magandang larawan, kundi pati na rin ang kasaysayan mismo. Makikita mo kung ano ang unang Westminster Bridge sa London noong 1746.

Ang British artist na si Sir Joshua Reynolds ay nagmamay-ari ng isang camera obscura at tila hindi sinabi sa sinuman ang tungkol dito, dahil ang kanyang camera ay nakatiklop at mukhang isang libro. Ngayon ay matatagpuan ito sa London Science Museum.

Sa wakas, sa simula ng ika-19 na siglo, si William Henry Fox Talbot, gamit ang isang camera-lucide - ang isa kung saan kailangan mong tumingin gamit ang isang mata at gumuhit gamit ang iyong mga kamay, sinumpa, na nagpasya na ang gayong abala ay kailangang alisin. na minsan at para sa lahat, at naging isa sa mga imbentor ng chemical photography, at kalaunan ay isang popularizer na ginawa itong napakalaking.

Sa pag-imbento ng litrato, nawala ang monopolyo ng pagpipinta sa pagiging totoo ng larawan, ngayon ay naging monopolyo na ang larawan. At dito, sa wakas, ang pagpipinta ay pinalaya ang sarili mula sa lens, na nagpatuloy sa landas kung saan ito lumiko noong 1400s, at si Van Gogh ang naging tagapagpauna ng lahat ng sining ng ika-20 siglo.

Ang pag-imbento ng litrato ay ang pinakamagandang bagay na nangyari sa pagpipinta sa buong kasaysayan nito. Hindi na kinakailangan na lumikha ng eksklusibong tunay na mga imahe, naging malaya ang artist. Siyempre, inabot ng isang siglo ang publiko upang maabutan ang mga artista sa kanilang pag-unawa sa visual na musika at ihinto ang pagsasaalang-alang sa mga taong tulad ni Van Gogh na "baliw." Kasabay nito, ang mga artista ay nagsimulang aktibong gumamit ng mga litrato bilang isang "reference na materyal". Pagkatapos ay lumitaw ang mga taong tulad ni Wassily Kandinsky, ang Russian avant-garde, Mark Rothko, Jackson Pollock. Kasunod ng pagpipinta, arkitektura, iskultura at musika ay pinalaya. Totoo, ang akademikong paaralan ng pagpipinta ng Russia ay natigil sa oras, at ngayon ay isang kahihiyan pa rin sa mga akademya at mga paaralan na gumamit ng litrato upang tumulong, at ang pinakamataas na tagumpay ay itinuturing na isang purong teknikal na kakayahang gumuhit nang makatotohanan hangga't maaari gamit ang mga kamay.

Salamat sa isang artikulo ng mamamahayag na si Lawrence Weschler, na naroroon sa pananaliksik nina David Hockney at Falco, isa pang kawili-wiling katotohanan ang ipinahayag: ang larawan ng mag-asawang Arnolfini ni Van Eyck ay isang larawan ng isang mangangalakal na Italyano sa Bruges. Si Mr. Arnolfini ay isang Florentine at higit pa rito, siya ay isang kinatawan ng Medici bank (halos ang mga may-ari ng Florence noong Renaissance, ay itinuturing na mga patron ng sining noong panahong iyon sa Italya). At ito ay nagsasabi kung ano? Ang katotohanan na madali niyang madala ang lihim ng guild ng St. Luke - ang salamin - kasama niya, sa Florence, kung saan, ayon sa tradisyonal na kasaysayan, nagsimula ang Renaissance, at ang mga artista mula sa Bruges (at, nang naaayon, iba pang mga masters) ay itinuturing na "primitivist".

Mayroong maraming kontrobersya sa paligid ng teorya ng Hockney-Falco. Ngunit tiyak na may butil ng katotohanan dito. Tungkol naman sa mga art historian, kritiko at istoryador, mahirap pa ngang isipin kung gaano karaming mga akdang siyentipiko sa kasaysayan at sining ang talagang naging ganap na kalokohan, ito rin ay nagbabago sa buong kasaysayan ng sining, lahat ng kanilang mga teorya at teksto.

Ang katotohanan ng paggamit ng optika sa anumang paraan ay hindi nakakabawas sa mga talento ng mga artista - pagkatapos ng lahat, ang pamamaraan ay isang paraan ng paghahatid ng kung ano ang nais ng artist. At sa kabaligtaran, ang katotohanan na mayroong isang tunay na katotohanan sa mga kuwadro na ito ay nagdaragdag lamang ng bigat sa kanila - pagkatapos ng lahat, ito ang hitsura ng mga tao noong panahong iyon, mga bagay, lugar, mga lungsod. Ito ay mga tunay na dokumento.

Ang teorya ng Hockney-Falco ay idinetalye ng may-akda nitong si David Hockney sa dokumentaryong "Secret Knowledge" ng BBC na si David Hockney, na maaaring mapanood sa YouTube (bahagi 1 at bahagi 2 sa Ingles. lang.):